Привлечение режиссеров со стороны — для театров дело обыкновенное. Saratov.ru выяснил, какими премьерами пополнился репертуар главных театров города за год, и выбрал пять наиболее интересных спектаклей, поставленных несаратовскими режиссерами. А также, для пущей объективности, отыскал отзывы тех, в чьих кругах толерантность и политкорректность приравниваются к слабости, - блоггеров и театральных критиков.

«Быть или не быть? Да не вопрос!», ТЮЗ

Премьера: 21 февраля 2012

Режиссер: Дмитрий Волкострелов

Драматург: по мотиву монолога из трагедии Уильяма Шекспира «Гамлет»

Ближайший спектакль: 13 марта, 18:00

О режиссере: Дмитрий Волкострелов — театральный революционер нового поколения, скрывающийся от гнева ретроградов за малоприметной маской тихого экспериментатора. Без лозунгов и призывов сбросить с корабля современности привычное и традиционное он молча разбирает театральный Колизей по травертиновым кирпичикам, параллельно отстраивая свой собственный фундамент чего-то модернового и не всем понятного. «Немножко экспериментировать» не получается — каждая его работа напичкана красными тряпками для театрала-консерватора. В «Июле» по пьесе Ивана Вырыпаева юный уникум, поступивший на режиссерский факультет в неполные 16, направляет внимание зрителя на единственную актрису, задействованную в постановке, — она зачитывает монолог 63-летнего каннибала. Спектакль «Злая девушка» по пьесе Павла Пряжко кишит приемами, используемыми исключительно в кино. В «Солдате» за все время вообще произносится всего две фразы.

О спектакле: Творческая лаборатория «Четвертая высота» при ТЮЗе медленно, но верно вписывает в историю театра имена молодых талантливых режиссеров. В рамках этого фестиваля его участники должны за несколько дней создать эскизные постановки на заданную тему, после показа которых зрителю решать — быть спектаклю или не быть, стоит ли доводить «набросок» до ума или надобно поискать вдохновение на другой стороне. В минувшем году темой выбрали творчество Шекспира, и именно постановку Волкострелова было решено включить в репертуар театра как, очевидно, самую впечатляющую.

Отношения к Шекспиру постановка Волкострелова, откровенно говоря, не имеет никакого. Единственная непрочная связь — гиперссылка на избитую фразу. Весь сюжет волкостреловского спектакля завязан на экзистенциальном вопросе. В ходе него четыре актера зачитывают монолог Гамлета, переведенный транслитером Google (своеобразная современная альтернатива Пастернаку и Лозинскому), делятся со зрителем результатом исследований контекстов, в которых блоггеры используют вопрос «быть или не быть?», а также слушают на сцене диктофонные записи (режиссер спрашивал у случайных саратовских прохожих, что для них гамлетовский вопрос) и, не снимая наушников, повторяют услышанное зрителям.

Режиссер о спектакле: «Знаете, в том же самом Саратове на шекспировской лаборатории я понял, что не могу ставить пьесу "Гамлет". Просто не вижу для себя личной необходимости заниматься вымышленным персонажем, вымышленным образом, за которым тянется несколько веков смыслов. Я занимался бы не Гамлетом, а культурными слоями. И зритель тоже — он будет следить не за историей, а за Историей. Куда более правильным мне кажется опыт Кристиана Люпы: ставя спектакль "Персона. Мэрилин", он работает с реальным человеком и реальной Мэрилин Монро. А в России театр традиционно был местом бегства от реальности — мы же все, если разобраться, от нее бежим. А зачем? Почему бы не заниматься ею, не осмыслять ее?».

Блоггеры о спектакле: «Чего не хватило? Более четкой композиции, отправной точки. Как вариант (хотя и негоже говорить критику: а вот я бы так сделал...) — те самые монологи, которые многоголосицей даются ближе к финалу, —можно было бы пустить и в самом начале. Только не беспорядочным хором, а отдельно. Хотя бы один. Он бы прозвучал, как и положено, академично и глубоко, но вполне себе далеко от сегодняшнего дня и сегодняшних забот. От этого можно было бы оттолкнуться и дальше уже разбираться, чтобы прийти к тому, к чему пришли: с одной стороны, действительно, — не вопрос! И чего он столько болтает?! А с другой, задумавшись над вопросом, и сегодняшние герои опроса, и сами актеры в финале выдавали монологи еще и подлиннее гамлетовского, да и сомнений с размышлениями было не меньше».
 Nika-stasy

«Софокл. Эдип, тиран», ТЮЗ

Премьера: 25 октября 2011

Режиссер: Маттиас Лангхофф

Драматург: Хайнер Мюллер

Ближайший спектакль: 28 марта, 18:00

О режиссере: Иметь в своем репертуаре спектакль, поставленный Лангхоффом, для провинциального театра примерно то же самое, что для сайгонского ресторана — заманить Пьера Гарнье для разработки специального меню. И дело не в том, что ресторан плох — рисовые блинчики в исполнении вьетнамских поварят чудо как хороши, — а в том, что у Гарнье планы на ближайшие десять лет более глобальные, что ли. Немца с французской пропиской, чье имя включено в список десяти величайших театральных режиссеров, ждут повсюду, и даже кое-где дождались, но на сколько опустела казна радушных «хозяев», можно только догадываться, ибо сам режиссер не скрывает — да, он режиссер дорогой и не всякому театру по карману. Понятно, что заманить Лангхоффа в Саратов не хватило бы ни калачей, ни коврижек, а потому хвала человеческой скуке: по словам режиссера, ему, как пожилому человеку, работать только за деньги, как это принято в Европе, уже наскучило. Прямо по адресу: недофинансирование театров и альтруизм театральных работников — их есть у нас.

О спектакле: «Эдипа» Лангхофф поставил по пьесе своего близкого друга — драматурга Хайнера Мюллера, перекроившего на новый лад даже не текст Софокла, а адаптированную Фридрихом Гёльдерлином версию. В своем плавильном котле режиссер смешал древнегреческий миф, советский быт, собственные рефлексии на тему участи германского народа поствоенного периода и хорошенько приправил все это атрибутами современности, сокращающими дистанцию между нынешним зрителем и софокловскими героями как минимум вдвое. В этой параллели Эдип все так же несчастен, трагедия все так же неминуема, но теперь жрец читает рэп, а Тиресий носит медальку на замызганном кафтане.

Режиссер о спектакле: «Меньше всего я хотел, чтобы в конце моего спектакля все зрители дружно вставали, аплодировали, кричали "Браво!". Это ненормально. Спектакль сложный. Мне, его постановщику, куда важнее, чтобы зритель ушел с сомнениями, размышлял бы об увиденном, возвращался и к теме, и к самому спектаклю, желал бы прийти на него еще и еще раз».

Блоггеры о спектакле: «Мне была интересна трактовка Эдипа. Если честно, я не увидел в спектакле четко выраженной авторской/режиссерской позиции. Кстати, я не считаю, что она обязана быть, просто констатирую, что тут я ее не увидел. У Софокла Эдип расплачивается за то, что пытался убежать от воли богов – самое страшное преступление, по мнению греков. За что расплачивается "Эдип, тиран" из пьесы Хайнера Мюллера, в основу которой легло гейдерлиновское переложение Софокла? За давнюю вспышку гнева? Возможно…».
 Muzalewsky

«Урод», Театр драмы

Премьера: 20 декабря 2011

Режиссер: Явор Гырдев

Драматург: Мариус фон Майенбург

Ближайший спектакль: 31 марта, 18:00

О режиссере: Кажется, после энной медальки за театральную работу — а послужной список молодого режиссера в этой сфере внушает уважение — Гырдев отправился собирать жатву наград на ниве кинематографа. Его отношения с кино развивались стремительно и красиво с первого взгляда, так сказать: первый же (и пока единственный) фильм «Дзифт» был официально заявлен Болгарией как иностранный фильм на премию Оскар, правда американские специалисты историю о зэке Мотыльке не оценили и статуэтку «зажали». Зато на Московском международном кинофестивале работу посчитали занимательной и вручили талантливому болгарину приз за лучшую режиссуру. А недавно американские продюсеры заинтересовались картиной и предложили Гырдеву обсудить возможную работу в Голливуде. Гырдев за «Оскар» долго обижаться не стал и согласился.

О спектакле: Создатели «Урода» затронули болезненную для нынешнего общества тему самоидентификации и выбора между «быть собой» и «быть как все». Инженер Летте в картину глянцевого мира, где поход к пластическому хирургу приравнивается к походу за докторской колбасой, не вписывается и, надо сказать, не очень-то об этом задумывается до тех пор, пока на весы не ставится карьера. Он ложится под нож хирурга, который делает из него писаного красавца, и жизнь налаживается: его изобретения продаются, деньги зарабатываются, накачанные ботоксом и гиалуронкой женщины вешаются на шею, а мужчины видят в нем новый идеал красоты и образец для подражания. Неудивительно, что вскоре он обнаруживает вокруг себя клонов нового себя же, потому как подтянуть, подрезать и накачать, чтобы было как у «идеала красоты», в пластическом веке не проблематично. И вот ведь как странно получается — быть собой герой может только будучи уродом.

Режиссер о спектакле: «Здесь происходит исследование взаимодействия рыночного мышления и человеческой уникальности. Герой теряет свое лицо, чтобы приобрести новое и красивое, являющееся неотъемлемым фактором успеха. В современном обществе много жестких законов, влияющих на наше самосознание и самоощущение. Они могут изменить наш внутренний мир, наши взаимоотношения с людьми и довести нас до положения, когда мы уже не знаем, кем мы стали. Чтобы вписаться в общество, герой теряет свое "я", свою идентичность, а затем желает обрести ее обратно, пусть и уродливую. Мне кажется, что пьеса такого характера будет понятна саратовскому зрителю, поскольку это не абстрактная проблема, а универсальная».

Блоггеры о спектакле: «Имя Гырдева уже хорошо известно в столицах, о его спектакле "Метод Гренхольма" в Государственном Театре Наций много писали и говорили, ещё больше писали и говорили о его фильме "Дзифт". Однако ожидания саратовской публики премьера, скорее, не оправдала, отзывы о спектакле, несмотря на его очевидное новаторство для этого театра, очень сдержанные. И одной из причин этого является рассудочность и сухость, которую не смогли преодолеть артисты, привыкшие к другому типу театра. Будем надеяться, что со временем спектакль, который заслуженно можно назвать одним из самых лучших и интересных в Саратове, все-таки "оживет", а театральное руководство продолжит эксперименты не только с современной драматургией, но и с новым театральным языком».
Mobius-onion

«Орестея», Театр оперы и балета

Премьера: 2011

Режиссер: Вадим Милков

Композитор: С.И. Танеев

Либретто: А. Венкстерн по трилогии Эсхила

О режиссере: Вадим Милков — имя для современной оперы громкое и звучное, как бас-профундо. Его мир крутится вокруг театра: он, сын Георгия Товстоногова, тринадцать лет посвятил Большому, где до сих пор дают поставленный им «Иван Сусанин», а сейчас возглавляет Волгоградский музыкальный театр, параллельно работая с зарубежными и российскими театрами. Судя по интервью, Милков — человек строгий, жесткий, несгибаемый и абсолютно уверенный в том, что делает, так что невольно вздохнешь с облегчением: классическое искусство в надежных руках.

О спектакле: «Орестея» — постановка исключительная по всем статьям. Во-первых, это самое дорогое удовольствие Театра оперы и балета за всю его историю, в общей сложности на постановку были потрачены страшные деньги — 80 миллионов рублей. Во-вторых, «Орестея» знаменательна тем, что это единственный «оперный» опыт композитора Сергея Ивановича Танеева. И, в-третьих, спектакль был поставлен на российской сцене ничтожное количество раз, на воспроизведение мифа об Оресте решился только Мариинский театр сто лет назад. В целом, постановка традиционна и консервативна. Из интересных режиссерских находок — античные котурны на ногах актеров, «щадящий режим» для зрителей (убийства кровожадных греков, связанных узами родства, вынесены за пределы сцены и происходят «за кадром») и поражающие воображение декорации, усиливающие напряжение и драматичность происходящего на сцене.

Режиссер о спектакле: «Древние греки ставили проблемы нравственные. Вся их драматургия строилась на том, чтобы человечество остановилось в своем желании мстить и проливать кровь. С античных времен ничего не изменилось. И если мы не остановимся — остановится мироздание. Таким образом, "Орестея" сегодня своей этической высоты не утратила».

Критики о спектакле: «Недоумение вызывал и присутствовавший на протяжении всего спектакля налет эротизма. И если в отношениях любовников — Клитемнестры и Эгиста — это выглядело более или менее гармонично, то недвусмысленные прикосновения и объятия Ореста и Пилада, Ореста и его сестры Электры вызывали, скорее, неприятие и отторжение. Весьма странно выглядело появление в III действии Аполлона со свитой. Во-первых, их выкатили на кровати, что немало напомнило уже дважды состоявшееся появление эккиклемы с телами убитых. А во-вторых, свиту Аполлона составили вовсе не музы, а златокудрые юноши, задорно резвящиеся с вином и яствами. Едва ли за строками стихотворения Алексея Хомякова, ставшего своеобразным этическим кредо композитора — "…Мне нужен брат, любящий брата", — им подразумевался смысл, воплощенный режиссером». 
Д. Гегиева, «Саратовская "Орестея": Анахронизм или открытие?»

«Чудо Святого Антония», Театр драмы

Премьера: 1 апреля 2011

Режиссер: Ансар Халилуллин

Драматург: Морис Метерлинк

Ближайший спектакль: 15 марта, 18:00

О режиссере: Личности, повинные в подсаживании на мыльные оперы многострадального русского народа, ежедневно проходящего через телевизионное горнило «Аншлага», «Часа суда» и новостей на Первом, установлены. Вопреки ожиданиям, обвинительные речи придется выслушивать тем, в чьем реноме, казалось бы, сомневаться не приходится. Например, вышеупомянутый Дмитрий Волкострелов снимался в сериалах «ТТ» и «Обручальное кольцо», а Ансар Халилуллин так вообще срежиссировал «Не родись красивой». Его театральные работы и калым на хлеб с маслом настолько контрастны, что даже не верится. Московский режиссер и театральный педагог в качестве приглашенного режиссера исколесил пол-России и поставил такие спектакли, как «Тартюф», «Недоросль» и «Поздняя любовь». В Саратов Халилуллин приезжал трижды — для постановок «Гонзы и волшебных яблок», «Условных единиц» и «Чуда Святого Антония».

О спектакле: Вся соль в том, что режиссер до конца не уверен, удалось ли ему воссоздать на сцене историю так, как ему представлялось в его умной голове. По пьесе Метерлинка Святой Антоний попадает в дом умершей дамы, где ее родственниками вовсю пилится наследство. Антоний предлагает воскресить усопшую, что, несомненно, вызывает у обитателей дома недоумение — чудо чудом, а воскрешение в их планы не входило. Когда Святой добирается-таки до ложа Гортензии, все происходит в лучших сказочных традициях: дама как будто воспрянула ото сна — живехонькая, здоровая, правда, немая. Последний факт и становится причиной всеобщего негодования, в том числе и вновь рожденной. Халилуллин задумывал сделать главным героем не целителя, а всех, кто его окружает, и исследовать, как меняются люди в зависимости от «декораций». Актеры же подошли к постановке как к чему-то более серьезному, нежели изучению человеческих метаморфоз, и в своей работе замышляли сделать акцент именно на чуде.

Режиссер о спектакле: «"Чудо" — это пьеса о цене человеческой жизни, а она в современной России невелика. У нас произошла какая-то подмена ценностей, и мы зациклились на материальной стороне. Поймите, я совсем не против обеспеченных людей. Просто мне кажется важным, чтобы при всем благополучии, которое имеешь, ты не забывал о более важных вещах — о жизни, смерти, счастье, любви. Пьеса, наверное, еще и о том, что люди разучились верить в чудо».

Критика о спектакле: «В спектакле действительно есть психологические и сценические нестыковки. Совершенно непонятен образ священника (Владимир Аукштыкальнис), который сначала, как и все, не узнает Антония, и лишь когда чудо воскрешения произошло, хватается за голову и многозначительно отворачивается лицом к стене. Наивный зритель мог бы подумать, что героя постигло глубочайшее раскаяние. Но ничуть не бывало: уже через пять минут страданий герой вновь начинает предательски щекотать Антония, напрочь забыв о недавнем просветлении. Зато племянники тетушки в исполнении Андрея Седова и Григория Алексеева вполне последовательны в своей быдловатой непробиваемости». 
Елена Балаян, «Осторожно, чудо!»

Фотографии: 1 — ТЮЗ им. Киселёва (Михаил Гаврюшов), 2, 4 — Театр драмы им. Слонова, 3 — Театр оперы и балета (Юрий Кабанов)